花鸟画的学习与创作，重要的是对花鸟画这一画种的特点要有较为明确的认识，只有把握住它的特点，学习才能取得效果。
在学习花鸟画当中应掌握以下几个要点：
（一）熟悉花卉禽鸟的结构、特征和习性
（二）造型与笔墨密切结合
（三）通过临摹吸取他人长处
（四）构图是创作的关键
（五）色彩是表现效果的有力手段
（六）自我检查、自我提高
（七）发挥缘物寄性的作用
试谈写意花鸟画的学习与初步创作
（一）熟悉花卉禽鸟的结构、特征和习性
一切文艺创作都不能脱离生活，都必须反映生活，绘画也是如此。
白石老人指出“画贵写生，用速写的方法记录花鸟的形态情趣，风情雨露的变化，抓住其特点，这是创作的源泉。所以，要养成画速写的习惯。
有些限于条件和时间，无法画下来的那些素材，适当作些文字记录，用以备忘，如花的色彩、构造、株高、比例、叶形，花期和生长环境，以及鸟的羽色、特征、习性等等。画禽先画静止的，熟练后再画活动的。
写生得来的素材，是作画的第一手资料，十分宝贵，所谓“造化在手。有了依据，不需要参考其他临本，自己就可以独立去画。缺少的素材，也可参考别人的东西，以及“鸟谱”、“花谱”之类非完整的作品。运用素材，把单线画的或照片搬到宣纸上去，成为意笔画，这种方法是练习创作的第一步。
（二）造型与笔墨密切结合
写意花鸟画的笔墨与造型，是一个问题的两个方面，每个笔触都是形体结构的一部分，色彩浓淡等艺术效果也必须通过笔触体现出来。
下笔成形，涉笔成趣，用笔是关键。所以，必须严格训练驾驭毛笔的能力。不管有无书法基础，都要学会用笔。
陈师曾先生画作
但在用笔时，不是先练好字再去学画，而是一边画画，一边练字，并以画画为主。因为绘画有个造型问题，要想画好画，还得要经过造型的训练。
毛笔基础较差，若有一定的绘画能力，也可以适当弥补笔墨的不足。学习写意画要具备两个基础：一个是笔墨基础，一个是造型基础。但是二者不是平行的，象盖房子一样，造型是根基，笔墨是建材，这就是它们之间的关系。
训练使用毛笔的能力，最好采用“实战法”，在条件允许的情况下，不妨每天抽出一些时间写写字，但大量的时间还得用来画画，便于直接提高毛笔的造型能力和表达能力。
（三）通过临摹吸取他人长处
通过临摹直接吸取别人经验，是学习中国画的一种传统的、行之有效的方法，也是入门的一种手段。
临摹大致有四种类型：
第一种是对照临本如实地临写，与原作相似，有助于全面体会、学习别人作画的过程和风格。
第二种是局部临事，临写最精彩的那一部分，其余省略。
第三种是意临，参展临本，取其大意，体会大效果，不计一笔一画的得失。
第四种是背临，先对临本作认真地强记，在感受尚未淡漠和消失之前，凭借印象和记忆，及时地默写出来，迫使自己牢记别人作品的表现手法和特点。
这四种方法视需要，有选择地加以练习。
南宋法常《双鸠图》
临摹固然是一种很好的方法，但处理不当会带来消极的一面，成了临摹画家。所以古人一再提醒学者“善画者能与古人合，复能与古人离”，作到师于古，而不泥于古。
为了避免临本中易出现的毛病，可注意下面三点：
（1）写生为主。写生的时间要多于临摹的时间，多作些素材性和记忆性的速写，以培养个人的写生能力和感情，这样才能逐步做到不依赖临本，而依靠素材，使作品的生活气息增强。
（2）博采众长。在学画时先通一家是可以的，但不要把自己框死。只有博采广取，师长舍短，旁收远绍，搜妙创真，才是临摹的好方法。
（3）尊重传统。对传统的花鸟画要认真学习研究和进行临摹。这里所说的传统，一是接受前人的经验，二是向好老师请教。
南宋法常《柳燕图》
但是，对传统的尊重，不流于迷信，既要钻进去，又要打出来。从前辈艺术家的作品中吸取丰富的营养，以加强和提升自身的功力。
（四）构图是创作的关键
对于山水画和花鸟画来说，组织画面带有很大的创作成分，甚至可以说就是创作的初级阶段。
锻炼构图有两种办法：一种是打乱某一幅作品，重新组合，成为一张新的作品，西画称“变体画”，一张画因构图不同，可产生出许多新的“变体画”来，故称之为“移位法”；另一种办法是几张作品各取其中某一部分东拼西凑，移花接木，另行组织，形成一张新的作品，故称之为“拼凑法”。
五代徐熙《飞禽山水图》
这两种方法对于初学的人来说既有临摹的成分，也有创作的意味，可作为练习构图的方法，当然，作为正式创作，就不宜提倡。
如何掌握构图的方法与规律，是一个很复杂的问题，不是学了“移位”与“拼凑”就可以解决了的，在位置的经营中，可掌握宾主、气势、虚实、疏密、参差、奇稳六个要点去练习，使路子不致于走偏。
（五）色彩是表现效果的有力手段
古代画家喜作水墨花鸟，他们提出“墨分五色”之说，用今天的语言解释就是分出墨的色阶和层次。客观世界的一切形象，都可以用黑色的浓淡层次表现出来，即使画的是黑白单色画，亦会有色彩感。不失单纯雅洁之美。但色彩画尤能动人，记得马克思曾说过：色彩的感觉是人类美感中最普及的形式。
色彩是绘画艺术中最富感情的因素，极易唤起人们的审美直觉，是绘画艺术的一个有力手段，应当充分发挥色彩的功能。现今化学工业极为发达，颜料品种繁多，为我们作画提供了方便，色彩如何运用得当，有四个方面是需要注意的：
1、色彩有不同的色相之分。色相就是色彩的相貌，也就是不同颜色的差别，如红、黄、蓝等，它们的色相不同，容易区别，殊不知小的差别也影响效果，用淡黄抑或中黄，用大红抑或朱红，用群青抑或花青，需经审慎地选择。哪些色彩放在一起好看，哪些搭配在一起不好看，也要推敲一番。色相接近，调和一些，相差较大，易形成对比。
2、色彩有明浊之分。色彩有知觉度的差别，有的艳丽鲜明，如桔黄、桔红等很刺眼，有的沉着浑朴，如深褐、灰青等。同一种颜色，纯洁干净就鲜明上一些，如果掺合别的颜色进去，知觉度便减弱。
3、色彩有浓淡之分。一种颜色，水分少，浓度大，便深重；水分多，浓度小，便轻淡。色浓重，知觉度强；色轻淡，知觉度弱。白粉少，色彩浓，反之则淡。但使用时掺水和调粉透明度的效果并不相同。
4、色彩有冷暖之分。凡是黄、红等色，为暖色系列；凡是青蓝等色，为冷色系列，冷暖两方面起对比作用，同系列色，起调和作用。中国画里的黑色，以及白纸，都属中性色，不冷不暖，可减弱对比作用。
上面这些色彩性能和规律，作画时根据效果需要，酌情配置、调合。
（六）自我检查、自我提高。
业余学画的学生往往似通非通地作画，自己的作品虽然一般还过得去，但不很满意。想提高，却不知毛病出在哪里。又无好老师指点，常年处在盲目状态之中，多年不见进展，慢慢兴趣便淡薄下来。问题在哪里呢？
关键所在是个画风的问题。李可染先生说：“我在齐白石那里学画十年的体会，归结一句话一画画千万不要快。”所以李可染先生有很多自制的印章，“白发学童”，就是他经常用的。
从可染先生的体会中我们受到启示，就是要下苦功夫，去磨炼自己。态度端正了，也还要考虑构成造型艺术形式美的许多其他因素，诸如：1、物象结构、特征是否正确；2、构图是否符合变化均衡原则；3、主次关系是否分明；4、物象之间的组合是否统一中有变化；5、墨的浓淡干湿控制得如何，是否有黑白灰各种层次；6、色彩的调配是否舒适，等等。
古语说：“万物静观皆自得”，当一幅作品完成之后，反复审视，用上述要求去对照，挑毛病，必然有不满意的地方。然后有针对性地再画一遍，只要认真对待，第二张会比第一张有进展。然后再针对第二张的问题去改进。
这样三五张或十张八张画下来，久而久之，养成良好的、严格要求的自学习惯，常年下来，就会有大进步。
（七）发挥缘物寄情的作用
掌握上述写形、色彩、构图等能力，仅仅是艺术表现的手段，而抒情传神才是艺术表现的目的。
作者通过自己所创造的那些艺术形象去向观者传达自己的思想感情，所谓缘物寄情。显然对于一个技巧成熟的画家来说，仅只停留在花形鸟形态的熟练描绘上，和构图的变化摆布上，当然已不满足，所以历来画家都把“意在笔先，画尽意存”作为孜孜以求的目标，夸张也罢，变形也罢，寓意也罢，各种艺术手段都是试图通过有限的具体形象，把人们引导到无限广阔的艺术境界之中去，“含不尽之意于言外”，充分发挥作品启发人们想象的功效。
南宋法常《莲燕图》
所以古人说：“绘画不难于写形，而难于得意”。“意”从何来？来自作者对生活的认识，对自然的感受，以及作者的文化修养及审美意识、眼光，艺术经验和表现技巧等许多方面的积累。也只有这些积累，面对自然美才能从有感、生情到创意。
《沙汀丛树图》（局部）惠崇
我们讲缘物寄情，就是讲作品要表现一定的意境，使作者的主观意志与客观事物结合在一起，表达作者的思想感情。
这样的例子很多，如苏轼在惠崇的花鸟小品上题字“春江水暖鸭先知”句，是用游禽的感知侧面表现春到人间的喜悦情绪；徐渭以墨葡萄表达自己穷愁潦倒、郁结难抒的痛苦心境；徐悲鸿的奔马表达他欲奋起民族精神的愿望；潘天寿的《小龙湫一角》，流露着作者对浙江山水的挚爱之情……可见以花鸟画寄情寓兴、传达作者思想感情，是我们民族绘画的优良传统，应当深耕精研继承下来，发扬光大。
